Animation pose à pose: un guide étape par étape pour les débutants

Avant l'animation numérique, les animateurs devaient dessiner chaque mouvement à partir de zéro. Ils ont développé une méthode appelée animation pose à pose, une approche systématique qui les a aidés à réaliser bon nombre des productions animées les plus célèbres de tous les temps.

Voici un aperçu de ce qu'est l'animation pose à pose et comment vous pouvez essayer la technique par vous-même.

Qu'est-ce que l'animation pose à pose ?

Lors de l'animation pose à pose, la majorité du temps et des efforts de l'animateur sont consacrés à dessiner les battements « clés » d'une scène, personnage déconcerté établissant un contact visuel avec la caméra, ou le roi Arthur tenant Excalibur bien au-dessus de lui lorsqu'il le libère du calcul.

Avec ces cadres essentiels déjà pris en charge, la scène commence à se fondre et à prendre forme. Dans un contexte de studio, les animateurs de niveau junior sont ensuite invités à combler les lacunes avec des intermédiaires, en transportant le public à travers chaque rythme. Dans d'autres circonstances, l'animateur d'origine retourne simplement en lui-même. Dans tous les cas, une animation complète est le résultat.

Pourquoi animer pose à pose ?

Pose-to-pose ouvre la voie à une excellente animation pour plusieurs raisons – le facteur susmentionné de planification étant un argument de vente majeur. Un autre est l'allocation de l'énergie créatrice. Quelle est la différence entre passer une heure sur un dessin et passer quatre heures sur 200 dessins?

Dans ce dernier cas, les premiers dessins seront probablement aussi bons que celui dessiné dans le premier cas. Après quelques heures, cependant, beaucoup d'entre nous perdront naturellement de l'enthousiasme.

Pour les moments les plus dramatiques et les plus excitants d'une animation, il est logique de concentrer vos efforts, en déléguant le travail plus mécanique de l'entre-deux à d'autres ou à nous-mêmes à un moment ultérieur.

L'anatomie d'une séquence de pose à pose

Il y a quelques ingrédients que la plupart des exemples d'animation pose à pose incluront. Passons en revue chacun d'eux.

Les poses clés

Ces "vignettes" seront généralement les moments qui véhiculent le plus de sens et d'émotion. Une prise de conscience soudaine, le pic d'une explosion de colère ou la seconde où un personnage atterrit après être tombé d'une falaise sont tous admissibles.

L'entre-deux

Si le bras est levé dans la première pose et abaissé dans la seconde, vous devez remplir l'espace intermédiaire avec au moins un cadre où le bras est quelque part au milieu. Plus il y a d'images remplissant cet espace entre les deux, plus l'animation sera fluide.

Les pannes

Le chaînage direct de chaque image clé peut fonctionner si vous animez quelque chose de très simple. Après quelques séquences ininterrompues par une quelconque action secondaire ou période de pause, cependant, vous vous sentirez un sentiment d'"agitation". Les pannes donnent à votre public le repos dont il a besoin pour digérer votre animation.

Ils agissent comme des « images clés » entre les images clés. Avant qu'un personnage ne réagisse à quelque chose, il peut frissonner, rebondir ou cligner des yeux. Ces petites actions améliorent leurs performances, les rendant moins ennuyeuses.

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Comment pratiquer l'animation pose à pose

Vos trois principales priorités en tant qu'animateur: le timing, l'espacement et la cohérence. L'animation pose à pose est la technique parfaite pour un débutant qui souhaite renforcer ses compétences dans les trois domaines.

Au début, rien de tel que d'apprendre des maîtres. Rechercher sur Google le nom de votre personnage de dessin animé préféré suivi de la phrase « feuille modèle » vous probablement trouver un trésor d'instructions techniques sur la façon de construire le personnage professionnellement.

Si ce n'est pas le cas, nous vous recommandons une feuille de modèle Mickey Mouse classique. Une fois que vous en avez trouvé un que vous aimez, lancez votre programme d'animation au choix.

1. Choisissez deux poses clés

Après avoir choisi vos poses, dessinez-les sur deux cadres différents. Mettez autant d'efforts que possible dans ces dessins clés. La qualité à ce stade est cruciale.

Ici, vous pouvez voir que nous avons gardé les choses très simples. En les feuilletant d'avant en arrière, il devient clair que deux cadres ne suffisent pas pour raconter cette petite histoire. Afin de créer une animation bouclable, nous allons copier la première image clé et mettre une autre instance après notre deuxième pose d'image clé. Passons à la phase suivante.

2. Ajouter une ventilation (ou plusieurs)

Perturber cette progression simple avec quelque chose au milieu des deux premières poses.

Maintenant, Mickey recule avant de s'étourdir. Les genoux fléchissent et ses épaules se replient autour de son cou. En jouant cela, la séquence est bien meilleure que les deux poses d'images clés seules, mais il y a toujours le sentiment que quelque chose… manque. Dans de tels cas, une autre panne sera parfois une solution appropriée.

Reculons cette première panne d'un cheveu. Au lieu de sauter directement à la deuxième pose d'image clé, nous pouvons le faire rebondir légèrement avant d'atterrir dans sa paume. Nous pouvons également repousser la deuxième pose de touche et le cadre final pour plus d'espace de respiration.

Maintenant, parcourez votre propre courte séquence. Si l'action semble solide, il ne reste plus qu'à combler les espaces entre ce que vous avez déjà en bas.

3. Dessinez des entre-deux

Nous vous recommandons de dessiner votre premier entre-deux exactement au milieu de l'espace séparant les deux premières images clés de votre chronologie, y compris les pannes.

Une fois que vous avez quelque chose qui les relie, regardez-le plusieurs fois et continuez à remplir les blancs jusqu'à ce que tout commence à se mettre en place. Cette partie s'expliquera d'elle-même, surtout si vous avez activé les superpositions de pelure d'oignon dans le programme d'animation que vous utilisez. Tout ce que vous avez à faire est de dessiner chaque partie du corps entre les analogues qui précèdent et suivent.

Ces dessins de plan plus lâches et plus sommaires sont appelés « rugueux », et à juste titre. Ils ne doivent pas être considérés comme définitifs, surtout lors de ce premier processus exploratoire. Leur but est de tracer la séquence autour de chaque pose d'image clé. Vous finirez par revenir sur ces roughs, en ajoutant une action secondaire et en les nettoyant à un moment donné.

Concentrez-vous moins sur la perfection à ce stade et davantage sur vos fondamentaux: une action bien rendue à grands traits et un jeu authentique.

4. Évaluer et affiner

Après avoir pris votre premier pass, jetez un œil à ce que vous avez. Si certaines parties vous semblent trop rapides, vous pouvez continuer à pousser les images vers l'avant, ce qui laisse de la place pour plus d'entre-deux. Il en va de même pour les sections qui traînent. N'hésitez pas à réinsérer certaines pièces, voire à supprimer les intermédiaires si nécessaire.

Une chose mérite d'être mentionnée: vous remarquerez que chaque image n'est pas unique à ce stade. Nous avons quelques trames « hold »; air mort qui empêche la séquence de filer trop vite. Ceux-ci peuvent être redessinés ou non au fur et à mesure que vous continuez. Tout dépend du style que vous recherchez.

En théorie, il n'y a pas vraiment de ligne d'arrivée. Dans cet exemple, nous pourrions certainement aller plus loin, lui donner des yeux, par exemple, ou ajouter des boutons à son pantalon. Il est important de se rappeler qu'une excellente animation n'est jamais réalisée d'un seul coup. Vous ne pouvez pas ajouter de détails à quelque chose d'amorphe et de vague; une base solide doit toujours être établie en premier.

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Maîtriser l'art de l'animation

Un peu de logique et de pensée créative rendront même les scènes très difficiles beaucoup plus gérables. Il existe peu de scénarios où l'animation pose à pose n'éclairera pas, à tout le moins, le chemin à parcourir pour vous.

Finalement, vous vous sentirez probablement assez en confiance pour concevoir votre propre progression de poses. Commencez par les deux premiers que vous pouvez imaginer clairement et procédez exactement comme décrit ici. Avec ces principes en tête, rien ne pourra vous arrêter.

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